Di paglia, di legno, meglio di mattoni.
Nel vocabolario infantile casa significa protezione: dagli agenti atmosferici, dagli estranei, da qualunque cosa possa minacciare il benessere delle persone che vi abitano. E anche da adulti, la casa è il guscio del quale ci si può fidare, il rifugio dove, senza avvertire il bisogno di andare altrove, si sta bene, circondati dal proprio mondo di affetti.

La casa è altresì luogo poetico, del fare e della cura, per il cuscino, per la pianta, per il piccolo felino che silenzioso si aggira fra superfici di ogni misura, materia e forma, orizzontali e verticali, e che offrono ai sensi infinite percezioni. È quindi anche luogo estetico, dal greco antico αἴσθησις (aísthesis) «percepire attraverso la mediazione del senso».

Tappeti, arredi, quadri, ricordi di viaggi, memorie di famiglia, definiscono un tempio dove ogni giorno si compie una liturgia privata.

Ogni casa trova il proprio ritmo nel tempo, un tempo che si lascia indovinare dalla presenza di ciò che introduciamo e che diventa come la pagina di un racconto, l’anello di accrescimento di un tronco d’albero.

Per definizione è elemento antropico e come tale ci mette in relazione, attraverso il confine di un muro, con l’ambiente che ci è intorno. E se tutti i muri fossero fatti di materie anche naturali, il confine tra fuori e dentro, tra naturale ed artificiale, diventerebbe più sottile e l’uomo si riavvicinerebbe alla natura.

È questo il pensiero che ha ispirato «Àlfa, la casa possibile» progetto che Paola Lenti ha presentato in occasione dell’edizione 2024 della Milano Design Week sorprendendo il pubblico con un sottile esercizio architettonico e di interni che risponde in ultima analisi ad una precisa scelta etica.

Un progetto che è il frutto di un pensiero positivo e di una buona dose di volontà, elementi indispensabili per dare inizio a pratiche nuove e migliorative.

DENTRO LE STANZE DI ÀLFA
Director Maurizio Natta
Filmed by Fabrizio Polla Mattiot
Soundtrack Universal Music Publishing Ricordi srl

ph. © Maurizio Natta

© 2024 Paola Lenti srl, all rights reserved

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Il fruscio delle foglie degli alberi mosse dal vento in un parco cittadino, il pulviscolo visibile in controluce, grazie ai raggi solari che ancora riescono a farsi largo tra edifici fitti e alti, il ticchettio generato dalle gocce di pioggia su una mantella impermeabile color verde militare, il sole rosso al tramonto che, alla guida di un furgone, lungo un’arteria trafficata di Tokyo, all’improvviso si manifesta.

Sono solo alcune delle immagini che, attraverso lo sguardo di Hirayama, protagonista dell’ultimo acclamato «Perfect Days» di Wim Wenders, sembrano dirci che sono giorni perfetti, quindi felici, quelli in cui riusciamo ancora a percepire la natura e a emozionarci per ciò che gratuitamente, senza che ne facciamo richiesta, ci offre.

Oki Sato, alias Nendo, il nome del suo studio, li chiama «hints», «suggerimenti», quei sussurri con cui la natura ci notifica la sua presenza e ai quali dedica un’installazione personale «nendo: whispers of nature» ospitata all’interno del nuovo spazio milanese di Paola Lenti, in occasione della Milano Design Week 2024.

Il designer giapponese e il regista tedesco, simultaneamente, dalla medesima latitudine-longitudine, Tokyo, e come accomunati da una consapevolezza dalla connotazione spiccatamente occidentale, invitano a portare l’attenzione su quanto sia importante, per vivere bene, in armonia con sé stessi e con il mondo, ascoltare e rispettare la natura, essere appagati da quello che si ha, apprezzare le piccole cose della vita.

«Indagare la natura e il suo rapporto con l’uomo – racconta Nendo – è davvero parte integrante della cultura giapponese. Per questo motivo ho pensato avesse senso esplorare questo tema e scegliere Paola Lenti Milano quale luogo ideale in cui presentare la mia mostra, poiché sento che l’amore e il rispetto per la natura è ciò che Nendo e Paola Lenti hanno davvero in comune».

Nella lingua giapponese ci sono parole che utilizzando poche lettere esprimono concetti interi, complessi, o anche fenomeni naturali particolarissimi.

Komorebi, ci svela Wim Wenders alla fine del film, è il termine che indica il luccichio creato dalle foglie che ondeggiano al vento, un bagliore che può essere catturato in un solo e preciso attimo.

Hana-arashi, rivela Nendo, è la parola che descrive il momento in cui i petali dei fiori di ciliegio si staccano dalla pianta e iniziano a volteggiare nel cielo. È la seconda bellezza, più suggestiva della prima, perché a differenza dello spettacolo offerto dalla piena fioritura, dura il tempo di pochi istanti.

Mottainai, impariamo infine da Paola Lenti, in giapponese significa: non sprecare, utilizzare le risorse che si hanno a disposizione. È questo un concetto che l’azienda ha fatto proprio trasformandolo in un progetto che intende restituire funzione e valore estetico alle eccedenze di produzione.

L’immagine dei petali che danzano in aria richiama proprio la filosofia di Paola Lenti che con il progetto Mottainai raccoglie e riutilizza ciò che resta, ciò che letteralmente cade dalle produzioni, evitando così ogni forma di spreco.

«Eravamo curiosi – spiega Paola Lenti – di approfondire il confronto con un designer dal linguaggio progettuale diverso rispetto a quello dei fratelli Fernando e Humberto Campana, con i quali avevamo sviluppato il primo capitolo del progetto Mottainai. Così abbiamo chiamato lo studio Nendo. Oki Sato si è misurato nell’infondere nuova vita ai ritagli di Maris, un tessuto la cui struttura e consistenza ha orientato in maniera precisa la forma dei prodotti. È nata così la collezione Hana-arashi, colorata e sobria, il cui segno stilistico trovo molto giapponese».

È solo dopo aver visitato l’headquarter di Paola Lenti, aver visto i processi produttivi, compreso il lavoro di ricerca e il saper fare unico che contraddistinguono l’azienda, che Nendo ha tratto ispirazione per creare i suoi oggetti, sperimentando forme e accostamenti diversi. Dalla varietà imprevedibile dei colori dei ritagli di Maris, recuperati quotidianamente e accostati con cura secondo un coerente criterio cromatico, si generano petali dalla nuova e inaspettata bellezza.

«La prima sensazione che ho avuto – confida Nendo – è che Paola fosse, in un certo senso, molto giapponese. Silenziosa, estremamente gentile, rispettosa della natura. Vede la natura. Percepisce la natura in un modo che trovo molto bello, autentico, affine alla mia cultura. Mi ha sorpreso trovare il termine Mottainai in un’azienda italiana. Mi sono subito sentito come a casa. Credo che con questo progetto Paola ed io abbiamo raggiunto l’equilibrio tra spiritualità, materialità e sostenibilità, perché in un certo qual modo parliamo la stessa lingua. È stato come un haiku».

THE PLAY-DOUGH MAN
Director Maurizio Natta
Author Alessandra Noto
Filmed by Maurizio Natta – Fabrizio Polla Mattiot – Gianlorenzo Bernabò
Interview Dop Luciano Limoli
Editor Mattia Cutaia
Colorist Michele Ricossa
Audio Recordist Andrea Serventi
Audio Editor Matteo Fusi
Soundtrack Universal Music Publishing Ricordi srl
© 2024 Paola Lenti srl, all rights reserved

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Sono passati più di vent’anni da quando, con un filo sottile – impalpabile ma capace di essere ritorto, accoppiato, sagomato, appiattito per adattarsi agli intrecci di tessuti e corde – abbiamo aperto la strada alla produzione del tessile moderno per esterno e ne abbiamo cambiato per sempre la consistenza, la scala di tessitura, la tipologia e il colore.

Presente e futuro della nostra azienda sono cominciati così, con l’intuizione, al tempo inedita e controcorrente, che quella materia prima viva, flessibile, potenzialmente infinita – simile a un pensiero che intreccia senza sosta immagini, ispirazioni e nuove commessioni – potesse permetterci di uscire dal convenzionale e imporre nel mondo l’idea di una casa senza barriere fra interno ed esterno.

Tratto dal cortometraggio «Per filo e per segno» © Paola Lenti srl

Ma non ci siamo accontentati: ne abbiamo migliorato le prestazioni, perfezionato le caratteristiche e rivelato le potenzialità estetiche: un materiale di sintesi, fino ad allora intrappolato in una tecnologia che lo rendeva rigido e senz’anima, considerato superficialmente indispensabile ma allo stesso tempo causa di problemi ecologici, è diventato materiale prezioso, sostenibile, funzionale alla progettazione di prodotti durevoli e resistenti, adatto a soddisfare le moderne esigenze dell’economia circolare.

Quel filo si è trasformato col tempo in corde di dimensioni e forme diverse, abbastanza flessibili da poter essere intrecciate; in strutture tessili sempre più complesse e performanti, in maglie morbide e piacevoli al tatto, con le quali riproporre in chiave contemporanea anche lavorazioni classiche, come la costa inglese e la maglia rasata – un moderno “fatto a mano” dal sapore familiare e antico. E ancora, in decine di inediti ed inimitabili tessuti outdoor dai mille colori esclusivi, accoglienti, simili in tutto e per tutto a quelli per interno ma con le caratteristiche necessarie ad essere utilizzati all’esterno.

Tratto dal cortometraggio «Per filo e per segno» © Paola Lenti srl

Per filo e per segno: un titolo che lega il protagonista del nostro racconto alla meticolosità, all’ordine e alla precisione con cui viene lavorato – per filo e per segno, appunto, – dalle mani esperte dei nostri collaboratori, mentre seguono con la mente i fili invisibili della fantasia. La stessa attenzione che ogni giorno dedichiamo al nostro lavoro, all’inventare soluzioni nuove, all’affrontare nuove sfide.

L’entusiasmo contagioso e positivo di vent’anni fa non è mai venuto meno e ha contribuito a definire la nostra identità. È Paola Lenti stessa a condurci nel percorso e a parlarci, mentre dipana e riannoda ancora una volta il filo della nostra storia: un filo sottilissimo, ma così tenace da lasciare un segno.

PER FILO E PER SEGNO
Director Maurizio Natta
Author Anna Vullo
Filmed by Maurizio Natta – Fabrizio Polla Mattiot – Gianlorenzo Bernabò
Interview Dop Luciano Limoli
Interview Gaffer Mattia Rossetti
Editor Mattia Cutaia
Colorist Michele Ricossa
Audio Editor Matteo Fusi
Hair styling and make up Karine Valbrun
Soundtrack Universal Music Publishing Ricordi srl
© 2023 Paola Lenti srl, all rights reserved

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Curioso per indole, cosmopolita per scelta. Hugo Yoshikawa è un giovane artista che trae ispirazione principalmente dalla natura, dalla varietà delle sue forme e dai suoi innumerevoli colori.

Nato a Tokyo, cresciuto tra Parigi, Bangkok e New York, diplomato al Camberwell College of Art di Londra, Yoshikawa ha mosso i primi passi come illustratore a Madrid per poi dedicarsi all’arte intesa in senso più ampio, mantenendo però sempre un originale segno grafico, fantastico e a tratti naïf, che dà carattere ancora oggi alle sue opere.

Ad accendere la sua fantasia di bambino e a spingerlo a coltivare l’arte dell’illustrazione sono state soprattutto le bandes dessinées – le strisce a fumetti di scuola franco-belga considerate, in quei Paesi, veri e propri romanzi di formazione – come ad esempio le avventure di Spirou e Fantasio, due giornalisti che affrontano peripezie di ogni genere, aiutati dal fedele e onnipresente scoiattolo Spip.

Nell’universo immaginario dell’artista franco-giapponese, la natura entra tra le mura di casa e avvolge gli oggetti: gli alberi si insinuano con le loro radici tra tavoli e sedie, le foglie volteggiano libere nell’aria, i fiori sbocciano da cartoni del latte, gli agrumi sono appesi ai fili del bucato come panni stesi. Un mondo di fantasia, pervaso dal un sentimento spesso all’origine delle composizioni poetiche haiku – la natura protagonista, in tutto il suo mistero – e al tempo stesso espressione della cultura tradizionale giapponese dei manga.

L’occasione è Designart Tokyo, una manifestazione nata con il proposito di eliminare le barriere fra arte e design, fra funzionalità e bellezza; un evento internazionale che trasforma ogni anno l’intera città in un museo nel quale, attraverso una varietà di situazioni diverse, artisti e creativi di tutto il mondo possono incontrarsi e creare opportunità, sinergie e connessioni inedite e inaspettate.

Per realizzare l’animazione che verrà proiettata durante la mostra, l’artista ha disegnato alcuni bozzetti inediti, che prendono liberamente ispirazione da prodotti-icona – le poltrone Telar, Frame, Hammock e Tapio – immergendoli in una natura “invadente” ma al tempo stesso amichevole, che li rende protagonisti della sua personale visione dei possibili intrecci fra arte, design e mondo vegetale.

La mostra “Outside Inside” – il titolo è già un manifesto – è stata organizzata da Rikka Gallery ed è aperta al pubblico dal 20 al 29 ottobre, dalle 11 alle 18, presso lo showroom Paola Lenti Tokyo di Azabudai Hills, un moderno quartiere residenziale nel quale gli edifici sono circondati da ampi polmoni verdi e hanno tetti coperti da una ricca vegetazione. Anch’essi in armonia con la natura.

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Quando Paola Lenti e Francesco Rota si incontrano per la prima volta sono poco più che ragazzi. È la fine degli anni Novanta: l’azienda fondata da Paola a quell’epoca è ancora una piccola realtà, Francesco ha da poco conseguito la laurea in architettura all’Art Center College of Design di La Tour-de-Peilz, in Svizzera. Sono passati 25 anni e il sodalizio di allora è oggi più saldo che mai.

Per celebrare questo anniversario, abbiamo chiesto loro di ripercorrere assieme le tappe che hanno scandito questi 25 anni di intesa professionale mettendosi comodi su di un divano, uno dei prodotti che ha decretato il successo di questa lunga collaborazione. Entrambi però hanno preferito sedersi a terra: ne è nato così un racconto informale a due voci, che è stato riassunto in una intervista dalla quale emerge un’affinità di pensiero forte, basata sulla stima e libertà reciproca e su una visione condivisa del lavoro: un “divertimento serio”, come piace definirlo a entrambi.

Si torna così con la memoria al loro primo incontro “ufficiale”. È il 1998 quando cominciano a ragionare assieme a un progetto che valorizzasse e desse forma tridimensionale al feltro, utilizzato già da qualche anno per la produzione di tappeti.

La sintonia tra i due è immediata e si traduce subito nei tratti essenziali e lineari del divano Atollo e di Linea, la chaise longue per indoor che negli anni diventerà uno dei prodotti più iconici della collezione.

Inizia così una collaborazione che darà forma e funzione ad elementi d’arredo connotati da un design non convenzionale e risultato di una forte propensione alla ricerca e all’innovazione.

Qualche anno dopo, si esplorano nuovi territori. La sfida è ora quella di mettere a punto e produrre tessuti inediti per l’outdoor, accoglienti e piacevoli al tatto come quelli tradizionalmente usati per l’indoor, a partire dalle fibre leggere ed impermeabili del polipropilene. Mentre lei studia i materiali, lui lavora sulle forme: il successo di Linea si rinnova così con Wave, capostipite di una lunga ed articolata serie di progetti concepiti appositamente per la vita all’aperto.

Il resto è la storia di un sodalizio creativo, scandito da decine di elementi d’arredo innovativi e originali, che per eleganza ed essenzialità hanno resistito indenni allo scorrere del tempo – sedute, tavoli, tavolini, contenitori e complementi come Frame, Cove, Ami, Smile, Harbour solo per citarne alcuni –, molti dei quali premiati con prestigiosi riconoscimenti. Nel frattempo i due “ragazzi” hanno mantenuto intatto lo stesso entusiasmo di 25 anni fa e amano ancora sedersi a terra.

Due sopra il divano

Author Anna Vullo 
Director Maurizio Natta 
Filmed by Maurizio Natta, Fabrizio Polla Mattiot, Gianlorenzo Bernabò 
Editor Mattia Cutaia 
Colorist Michele Ricossa 
Audio Editor Matteo Fusi 
Soundtrack Universal Music Publishing Ricordi srl 
© 2023 Paola Lenti srl, all rights reserved

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La quarta puntata di A tu per tu è dedicata a Simona Sporchia, maestra nell’interpretazione contemporanea del mosaico. Cresciuta a Milano, Simona era una di quelle bambine che portano sempre con sé l’album da disegno. Ritraeva le persone, i paesaggi, la natura. Ogni occasione era buona per armarsi di matite colorate e dare libero sfogo all’immaginazione.

Al termine della scuola primaria, il liceo artistico rappresenta un approdo naturale. Simona scopre una passione per i colori e per i materiali; le tecniche artistiche sono la base di partenza per cercare un proprio linguaggio espressivo.

Prosegue gli studi alla Facoltà di Architettura, ma il cuore batte altrove: Simona sente il bisogno di usare le mani per dare forma al pensiero, di tornare all’antico amore per una materia meno algida e ragionata. «Avverto che l’arte è una chiamata», racconta. Ha in mente la potenza di certi capolavori dell’arte musiva studiati sui libri di scuola. È là che è rivolto il suo sguardo interiore. Lascia l’università, si iscrive a una scuola per apprendere la tecnica: diventa maestra mosaicista e apre un laboratorio a Monza.

L’incontro con Paola Lenti avviene nel silenzio del primo lockdown. In quell’atmosfera sospesa lavorano per assonanze: nella trama e nell’ordito dei tessuti di collezione colgono le medesime fondamenta della composizione del mosaico: tessere e fughe, intrecciandosi e combaciando, creano una decorazione, proprio come i fili lavorati al telaio. Entrambe, inoltre, intuiscono che sia nel mosaico, sia nei tessuti dell’azienda, a determinare il colore finale è la combinazione di più tonalità.

Insieme decidono di sovvertire la tecnica musiva tradizionale per dare vita a tessere di forme e dimensioni diverse, per esempio circolari; spogliano la fuga della sua funzione di “cerniera” per farla diventare uno sfondo che richiama i mood cromatici dei prodotti di collezione ai quali si abbina.

Prende forma una visione del mosaico totalmente nuova e contemporanea, dove anche i materiali impiegati assecondano il desiderio di restituire suggestioni inedite: non più soltanto pasta di vetro e marmi, ma ceramica, vetri riciclati, polveri di silice e ossidi, che danno origine a tessere una diversa dall’altra dai colori esclusivi. Ne derivano elementi per l’architettura, tavolini, piani per tavoli di grandi dimensioni che diventano prodotti di collezione.

Le sperimentazioni più recenti prendono spunto da Nerikomi, una tecnica di lavorazione della ceramica di origine giapponese. Nel suo laboratorio di Monza, Simona Sporchia crea tessere in ceramica colorata che poi taglia, cuoce e inserisce su fondi realizzati con agglomerati cementizi e materiali naturali come marmo e cocci di recupero. Fonte di ispirazione sono i pavimenti in seminato alla veneziana, caratterizzati da basi cromatiche in tonalità diverse e punteggiati da graniglie colorate.

A tu per tu
Simona Sporchia, Monza

Interview by Anna Vullo
Director Maurizio Natta
Cinematographer Fabrizio Polla Mattiot @ateliermistral
Filmed by Maurizio Natta, Fabrizio Polla Mattiot @ateliermistral, Gianlorenzo Bernabò di Negro
Audio post production Top Digital
Soundtrack Universal Music Publishing Ricordi Srl

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Alessandra Malfatti si è innamorata dello “smalto a grande fuoco” durante una mostra di Paolo De Poli, celebre smaltatore padovano collaboratore di Gio Ponti. L’hanno sedotta i colori smaglianti, i riflessi, la luminosità cangiante delle superfici.

Da allora coltiva il sogno di imparare a lavorare con il fuoco per riprodurre quella magia. Perché è con il fuoco che si genera il mistero dello smalto: facendo sciogliere polvere di vetro colorato su superfici metalliche in forni ad altissime temperature.

Grafica di formazione, già allenata a disegnare piccoli oggetti, Malfatti si iscrive a una scuola d’arte. Incontra due maestri d’eccellenza, Graziano Visintin e Maria Rosa Franzin, quindi si specializza con Ennio Cestonaro, artista poliedrico e cultore dello smalto.

La strada è segnata. Spinta dal desiderio di trovare la propria cifra espressiva, apre un laboratorio alle porte di Padova, acquista i primi forni, dà inizio a una ricerca cromatica per selezionare gli smalti migliori. 

«La seduzione assoluta dello smalto è proprio nel colore», spiega Malfatti. «Nelle sfumature, nelle tonalità, nelle combinazioni che si possono ottenere».

È la cifra che la lega a Paola Lenti. Insieme cominciano a immaginare superfici che possano combinarsi alle collezioni dell’azienda: quinte mobili, librerie, piani di tavolini.

Una tecnica complessa, che affonda le radici nel Mediterraneo tra il XIV e il XIII secolo a. C., oggi utilizzata da pochissimi artisti nel mondo.

Il materiale prescelto come supporto da Alessandra Malfatti è il rame; fonte di ispirazione è la natura nelle sue mutevoli forme e innumerevoli gradazioni. Un altro terreno di incontro, il lessico famigliare condiviso con Paola Lenti.

Dall’osservazione della rigogliosa vegetazione dell’Orto botanico di Padova – luogo del cuore di Alessandra Malfatti – scaturisce un’installazione di foglie di filodendro in rame smaltato che, appese al soffitto, restituiscono l’atmosfera di una foresta tropicale.

Colori e venature derivano da una stratificazione sapiente degli smalti, mentre il movimento delle foglie viene forgiato manualmente all’uscita del rame dal forno, quando il materiale è ancora duttile. Il fuoco, infine, appone il suo marchio, indelebile, poiché temperature e tempi di cottura differenti possono produrre segni, chiaroscuri e trasparenze ogni volta diverse. Il mistero che Malfatti aveva intuito nelle opere di De Poli.

La sperimentazione va avanti. «Sto realizzando una serie di prove con l’idea di creare una sorta di erbario fantastico in diverse tonalità, dal verde al terra», racconta l’artista di Padova. «Per ora si tratta di piccole tavole, sempre in rame smaltato, con segni primitivi che possono evocare una foglia o un cactus. Un domani potrebbero diventare oggetti, tavolini o forse altro».

Per dare profondità alle immagini, Malfatti utilizza smalti sia trasparenti sia opachi. «È proprio questa sensazione di profondità, che si produce attraverso il colore e che varia a seconda della luce, a rendere ogni pezzo prezioso».

A tu per tu
con Alessandra Malfatti, Padova

Interview by Anna Vullo
Director Maurizio Natta
Cinematographer Fabrizio Polla Mattiot @ateliermistral
Filmed by Maurizio Natta, Fabrizio Polla Mattiot @ateliermistral, Gianlorenzo Bernabò di Negro
Audio post production Top Digital
Soundtrack Universal Music Publishing Ricordi Srl

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Per incontrare Nicolò Morales siamo andati a Caltagirone, nel cuore della Sicilia sud-orientale, dove il territorio si dipana in un saliscendi di colline e montagne.

Terra aspra, di contrasti e chiaroscuri. È qui che vive e lavora Morales, il protagonista del secondo episodio di A tu per tu, una serie di video interviste ideate per raccontare come nascono i pezzi unici delle collezioni Paola Lenti.

Morales è un maestro ceramista, figlio ribelle di una tradizione che ogni anno attira in città migliaia di turisti. Le sue creazioni traggono inevitabilmente spunto dai canoni classici, ma sin da giovanissimo, con le prime esperienze in bottega, sente l’urgenza di trovare un cammino suo: in direzione ostinata e contraria. 

Insofferente alle produzioni e ai colori di serie, percorre le campagne e raccoglie terre e minerali. Ossido di manganese, di rame, di colbalto: la base delle tonalità offerte dal territorio che successivamente macina e cuoce, come un alchimista.

Per Paola Lenti il maestro ceramista di Caltagirone produce tavoli, tavolini e quinte mobili in ceramica dipinta a mano, con una tecnica che lascia il colore volutamente liquido, conferendogli gradazioni che mutano a seconda della luce. Pezzi unici il cui pregio risiede nella bellezza fuori dall’ordinario, oltre che nell’inconfondibile impronta artigianale. 

«Paola Lenti cercava finiture inconsuete», racconta Morales mentre impasta l’argilla nel suo laboratorio. «Le ho mostrato quelle che stavo sperimentando e si è subito creata una sintonia, una simbiosi di idee. Evidentemente guardiamo nella stessa direzione».

«Per chi, come me, è cresciuto immerso nella tradizione non è semplice innovare», aggiunge a conclusione dell’intervista. «Paradossalmente, quando te ne discosti vieni considerato un sovversivo. E io sono felicemente sovversivo».

A tu per tu
con Nicolò Morales, Caltagirone

Interview by Anna Vullo
Director Maurizio Natta
Cinematographer Fabrizio Polla Mattiot @ateliermistral
Filmed by Maurizio Natta, Fabrizio Polla Mattiot @ateliermistral, Gianlorenzo Bernabò di Negro
Audio post production Top Digital
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Ciò che da sempre contraddistingue Paola Lenti è la ricerca. Non solo nell’ambito che le corrisponde – filati, tessuti, cromìe – in cui si è affermata come azienda all’avanguardia, ma anche nel campo di materiali altri.  Purché abbiano una storia da raccontare. È di queste storie che Paola Lenti va alla ricerca. Delle competenze, della passione, della bellezza che portano con sé. Di un sapere tramandato con le mani. Com’è nel suo dna. 

Da queste storie sono scaturite collaborazioni esclusive con artisti-artigiani selezionati in tutto il Paese, in linea con una filosofia che ha scelto di privilegiare l’eccellenza del made in Italy. Nel corso degli anni, le collezioni si sono arricchite di nuove famiglie di complementi progettati per dialogare con gli arredi e le tonalità dell’azienda, in sintonia con un’idea dell’abitare armoniosa e al tempo stesso eterogenea. Materiali diversi – ceramica, lava, metallo, vetro – hanno dato corpo a prodotti esclusivi perché realizzati con tecniche antiche e lavorati, dipinti, rifiniti a mano. Pezzi unici che hanno contribuito a rendere inconfondibile il marchio Paola Lenti nel mondo.

Protagonista della prima puntata è Marella Ferrera, siciliana, erede di una sartoria che dagli anni Sessanta è punto di riferimento per la Catania che conta: abiti da gran sera, vestiti da sposa dai ricami elaborati. Suggestioni gattopardesche e proposte anticonformiste, come i colletti in pelliccia sintetica che anticipano quel Sessantotto ansioso di spazzare via le convenzioni borghesi.

Marella cerca un suo percorso. Negli anni Novanta debutta a Roma nell’alta moda con l’idea di raccontare la Sicilia con materiali della tradizione come pietra lavica e ceramica. Reinterpreta, sperimenta, destruttura: una cifra stilistica che in seguito le consentirà di entrare in sintonia con la visione di Paola Lenti.

L’incontro avviene in Sicilia, dove Marella Ferrera è tornata per proseguire nella narrazione delle origini osservandole da vicino. Paola Lenti le chiede di utilizzare la lava per vestire gli ambienti. Provano a fondere frammenti di vetro direttamente sulla pietra, con effetti che evocano le sfumature del mare, le gradazioni di verde dei giardini, le colate dell’Etna. Nasce Sciara, un materiale luminoso e molto resistente che oggi ricopre le superfici di tavoli, tavolini e pareti divisorie delle collezioni dell’azienda. Lo studio delle pavimentazioni ceramiche locali ha invece dato origine a una collezione di tappeti ricamati che rivelano i segni delle dominazioni dell’isola. I filati sono quelli tecnici di Paola Lenti, la manodopera è patrimonio di famiglia. Sono le zie di Marella, le stesse che un tempo ricamavano corredi e corsetti nella sartoria di sua madre.

A tu per tu
con Marella Ferrera, Catania

Interviste di Anna Vullo
Regia di Maurizio Natta
Riprese di Gianlorenzo Bernabò di Negro, Maurizio Natta, Fabrizio Polla Mattiot
Montaggio di Fabrizio Polla Mattiot
Soundtrack Universal Music Publishing Ricordi Srl

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Dimenticate l’immagine da cartolina di Miami incorniciata da palme e spiagge. Oggi la città più celebre della Florida attrae visitatori da ogni parte del pianeta per la ricchissima offerta culturale e creativa. Incarna un glamour colto e cosmopolita ed è sede di uno degli eventi più attesi dell’anno, Art Basel Miami, il corrispettivo statunitense della prestigiosa fiera di Basilea dove ammirare il meglio dell’arte contemporanea mondiale.

Parallelamente, la città più latina d’America ha coltivato un crescente interesse per il design dando vita a un altro evento – Design Miami – divenuto appuntamento fisso per architetti, progettisti e interior designer di ogni provenienza.

Si tratta di uno spazio interno distribuito su oltre 650 metri quadrati con grandi vetrate affacciate su strada e circondato da un giardino di piante autoctone. Il negozio è pensato come una concept house articolata in ambienti diversi, la cui somma ha l’obiettivo di comunicare una visione d’insieme e di proporre luoghi dell’abitare armoniosi, equilibrati e su misura, da sempre fulcro della filosofia dell’azienda.

Paola Lenti ha scelto di inaugurare lo store in occasione delle edizioni 2022 di Art Basel e Design Miami, che quest’anno si sono svolte quasi in contemporanea tra il 30 novembre e il 4 dicembre, per presentare al pubblico americano la nuova collezione Metamorfosi, firmata dai designer brasiliani Fernando e Humberto Campana e interamente realizzata con avanzi di lavorazione di Paola Lenti.

Sei pezzi unici al confine tra design e opera d’arte che hanno sedotto i visitatori grazie alle forme inedite e alla palette di colori accesi, cifra inconfondibile dell’azienda di Meda. Una collezione sostenibile e responsabile, perché è nata dal desiderio di ridurre gli sprechi e ha coinvolto nel processo di realizzazione donne migranti a rischio di esclusione sociale.

I grandi spazi del negozio, aperto con il partner Casual Furniture Group, ospitano tutti i prodotti più rappresentativi di Paola Lenti, da quelli che hanno fatto la storia del marchio alle creazioni più recenti, come gli arredi di Eres, la prima collezione interamente realizzata con materiali naturali, o le chaise longue per esterni di Jardìn, omaggio alla designer di origini cubane Clara Porset. Nell’ampio giardino sono invece proposte soluzioni complete per l’outdoor, dalle strutture architettoniche modulari progettate per ripararsi dal sole, come Resort, alle sedute dagli esclusivi rivestimenti tecnici resistenti all’umidità, alla pioggia e ai raggi ultravioletti, ideali per il clima di Miami.

Inoltre, vanta una consolidata tradizione nella nautica, settore in cui Paola Lenti ha conquistato importanti quote di mercato grazie ai materiali tecnici performanti con cui realizza prodotti in grado di resistere a condizioni climatiche particolarmente severe.

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Essere responsabili. Non sprecare. Riutilizzare. Trovare il modo per dare nuova vita a migliaia di scampoli, ritagli di tessuto, corde, cimose, avanzi di lavorazione. Un patrimonio multicolore di filati e materiali ancora performanti – ancora vivi – normalmente destinato alla discarica.
Cosa farne? Paola Lenti ha cominciato a porsi questo interrogativo qualche anno fa, parallelamente a una riflessione sul significato profondo di un termine ormai abusato: sostenibilità. Com’è possibile essere sostenibili, questa la domanda che sorgeva, quando ogni anno si producono oltre 10 tonnellate di avanzi il cui smaltimento richiede energia, personale, macchinari? E perché definirli scarti o trattarli come tali, quando potrebbero trasformarsi in qualcosa di inaspettato?

Seguendo il filo di questo pensiero Paola Lenti ha cominciato, metaforicamente, a riempire cassetti: nella pratica, decine di scatoloni di materiali diversi, minuziosamente catalogati per colore, tipologia di tessuto, misura. Un archivio della memoria, intanto; un pezzo di storia dell’azienda.

Affinché quel pensiero prendesse forma, però, serviva un segno nuovo, in grado di rivelare la materia cambiandone – in qualche modo stravolgendone – l’aspetto originario.  I fratelli brasiliani Fernando e Humberto Campana, celebri in tutto il mondo per i loro iconici prodotti realizzati con materiali di scarto, potevano essere i partner ideali. Diversi nella cifra stilistica – anticonformisti, fuori dagli schemi –, ma al tempo stesso vicini a Paola Lenti per la filosofia di fondo che ha contraddistinto il loro percorso come designer: l’urgenza di individuare un modo di produrre che coniugasse etica ed estetica, l’importanza di creare a partire da materiali già esistenti. E poi la comune sensibilità per il colore, più istintiva nel caso dei Campana, frutto di una lunga ricerca cromatica per Paola Lenti.  Infine – non meno determinante – una visione condivisa della responsabilità sociale: la consapevolezza che non può esserci etica senza inclusione; e che perciò è necessario cercare talenti anche nelle situazioni di svantaggio; valorizzarli, farli fiorire. In modo che nemmeno il talento vada sprecato.

Per illustrare ai fratelli Campana le potenzialità del progetto, Paola Lenti ha inviato in Brasile scatoloni di avanzi. Risposta: “Questo è un tesoro”. Una serie di riunioni a distanza hanno sancito il sodalizio. Humberto Campana ha disegnato forme e volumi dei primi prototipi; Paola Lenti ha condiviso le competenze sui materiali e il suo innato senso del colore, marchio di fabbrica dell’azienda. Una squadra di artigiani di Meda si è messa al lavoro per fare combaciare i due pensieri.

Prova dopo prova, la materia si è rigenerata e ha acquisito una forma nuova. Rope, il primo filato tecnico per esterni di Paola Lenti, ha rivelato la versatilità del materiale di cui è composto, il polipropilene. Aprendosi naturalmente, ha dato vita a “fiori” soffici come piumini in infinite tonalità, a distese di “alghe” che al tatto paiono seta con cui sono state rivestite sedute che invitano al riposo e al gioco. Con altri scarti di tessuto si è progettato un tappeto effetto-patchwork; con altri ancora i tubolari morbidi, simili a tentacoli, che servono da schienali. A prodotti finiti, Humberto Campana ha commentato:

Metamorfosi, questo il nome della nuova collezione firmata dai fratelli Campana, si ispira al mondo naturale e ai suoi mutamenti. Morpho, Centopeia, Alicia, sono organismi che abitano la nostra terra e i nostri mari. Ma chi osserva è libero di interpretare figure e forme. Il confine con l’opera d’arte è sottilissimo: sono pezzi unici che suscitano meraviglia.

Per realizzare i nuovi prototipi sono state coinvolte Victoria e Saly Samba del laboratorio di sartoria sociale CouLture Migrante di Como, che a sua volta utilizza tessuti di fine serie per i propri prodotti e offre opportunità di inserimento lavorativo a donne e uomini migranti a rischio di esclusione sociale. È il segno che include: le persone, il sentire di Paola Lenti e dei Campana. E chiude il cerchio.

L'articolo La seduzione della Metamorfosi proviene da Paola Lenti.

I guerrilla gardener piantano fiori “clandestinamente” in luoghi degradati.
Mona Caron, in qualche modo, fa lo stesso con il pennello. Anche l’obiettivo è il medesimo: far fiorire la bellezza in luoghi che ne sono privi. Quartieri fatiscenti, sobborghi proletari, grattacieli anonimi.
Solo che Mona Caron, al contrario dei guerriglieri del giardinaggio, per spargere semi di bellezza si solleva da terra e punta dritta verso il cielo, perché la peculiarità delle sue opere monumentali è quella di arrampicarsi letteralmente sulle facciate dei palazzi, “sbocciando” dove la vista comincia a perdersi contro l’orizzonte. Con un impatto visivo davvero grandioso.

Cresciuta tra i boschi della Svizzera, americana d’adozione, Mona Caron è l’antitesi dell’artista patinata. La sua “divisa” si limita a scarpe da ginnastica e pantaloni ampi, i capelli raccolti sotto il casco da cantiere, indispensabile per realizzare in sicurezza i giganteschi murales che l’hanno resa celebre a livello internazionale.
Il soggetto è simbolico: fiori comuni ed erbacce che crescono spontaneamente nelle città, facendosi strada tra le fenditure del cemento. Un tributo alla resistenza, o resilienza, per usare un termine un po’ abusato ma molto attuale, di coloro che “non hanno un posto nel mondo – spiega l’artista -, che non fanno parte dei piani, ma nonostante questo continuano a lottare e premono per emergere”.

La serie delle urban weeds, le erbacce urbane, come le chiama Mona Caron, è iniziata sui muri di San Francisco, dove l’artista vive, per poi varcare i confini degli Stati Uniti e “invadere” grattacieli di San Paolo o grigi palazzoni di periferia in Portogallo e in Svezia.

“Cerco piante clandestine per le strade della città. Quando trovo un esemplare particolarmente eroico che cresce attraverso una fenditura lo dipingo in grande, in una scala inversamente proporzionale all’attenzione e al rispetto che riceve. Contro il cemento più ostinato, contro ogni previsione, anche noi possiamo trovare un’apertura per uscire alla luce. Questo è il modo in cui i cambiamenti si producono”.

Nella realizzazione dei murales, Mona Caron collabora spesso con il brasiliano Mauro Neri, suo compagno di vita, e con altri artisti-attivisti. Dove lei fa sbocciare fiori, loro restituiscono corpo e dignità agli invisibili – homeless, indigeni, lavoratori stagionali – ritraendoli nelle piccole grandi battaglie quotidiane. Facendoli sentire rappresentati.

L'articolo L’artista Mona Caron: “Dal cemento può nascere un fiore” proviene da Paola Lenti.

È un viaggio poetico e ricco di suggestioni, a tratti onirico, quello che Paola Lenti, sotto la guida esperta della storica dell’arte Caterina Napoleone, ha compiuto in Italia alla ricerca di mosaici più belli.

Paola Lenti è andata a scovarli con la meticolosità di una storica e lo stupore di una neofita, alla ricerca di suggestioni e assonanze con altre trame e orditi: quelle dei filati e dei tessuti della sua azienda, che sin dalla nascita compongono i “mosaici” colorati dei suoi tappeti e i rivestimenti dei suoi mobili.

Ne è nato un libro, l giochi delle Muse (Corraini Edizioni), che rivela le corrispondenze cromatiche tra frammenti di mosaici e scampoli di tessuti; le analogie compositive tra pavimenti di antiche domus patrizie e tappeti cuciti e decorati a mano; le similitudini tra l’artigianalità della Roma imperiale e quella contemporanea dell’azienda di Meda.

Una sorta di viaggio à rebours  nell’arte del mosaico che si dipana da Nord a Sud – lungo un’asse immaginaria che va da Murano a Brescia, da Oplontis sino a Piazza Armerina – ricomponendo, tappa dopo tappa, le tessere di quelli che Caterina Napoleone definisce «tappeti di pietra».

Un libro da sfogliare alla scoperta di un patrimonio inestimabile e di ciò che continua a rendere unico il nostro Paese: la sapienza artigiana.

Video © Maurizio Natta, Fabrizio Polla Mattiot

L'articolo “I giochi delle Muse” <br>Un sorprendente viaggio alla scoperta delle analogie tra mosaici e tessuti proviene da Paola Lenti.

I tessuti erano stati relegati a un ruolo secondario nella nostra società, a un materiale che era o funzionale o decorativo. Io volevo dar loro un altro status e mostrare quello che un artista può creare a partire da questi materiali incredibili

Sheila Hicks, intervista per Archives of American Art, 2004

Mia madre aveva una fissazione: gli scampoli. Suo padre gestiva un emporio ad Hastings, in Nebraska, dove si vendeva di tutto, dai bottoni ai trattori. Hastings era circondata da fattorie. Mia madre amava realizzare cose con quello che era stato altro. Così mi ha aiutato a fare tutti i miei vestiti con i tessuti scartati che trovavamo. Lei era una raccoglitrice e tutti ne erano molto fieri; in quella parte del mondo, la gente è orgogliosa della propria laboriosità, ma non la ostenta. Anche Warren Buffett condivide questa filosofia del non ostentare

Sheila Hicks, Artforum

Era il 1957 e, con altre due sole donne, Sheila Hicks si laureava in Belle Arti all’Università di Yales. Con l’artista Anni Albers aveva già scoperto alcune tecniche di tessitura e aveva fatto un tuffo nelle idee del Bauhaus e del Modernismo. Di lì a poco l’avrebbero ispirata enormemente un viaggio in Cile e il libro di Raoul d’Harcourt Les textiles anciens du Pérou e, grazie ai colori e alle fibre del Sud America, Hicks sarebbe passata dalla passione per la pittura all’uso del tessuto come mezzo espressivo.

Superando barriere politiche e di genere, l’artista statunitense trasformerà il più quotidiano dei materiali nel più straordinario dei linguaggi visivi. In più di sessant’anni di carriera, il suo talento per il colore ha sperimentato forme monumentali e intrecciato relazioni con culture di ogni dove, entrando in centinaia di musei, dal Whitney Museum of American Art di New York al MAK di Vienna.

For all images, courtesy of the artist and Galerie Frank Elbaz

L'articolo Trame (extra)ordinarie proviene da Paola Lenti.

All’Accademia di Agricoltura di Torino, gli appunti di pomologia di fine Ottocento di Garnier Valletti sorprendono per perfezione e varietà. Rappresentando anche un ottimo spunto di riflessione sul tema oggi più che mai centrale della biodiversità.

Quante varietà di mela siamo oggi in grado di riconoscere e classificare? Mentre l’Unione Europea lavora a strategie condivise per riportare la natura nelle nostre vite e stimolare il rapporto diretto produttore-consumatore, Copenhagen è esempio virtuoso di agricoltura urbana che accorcia e arricchisce la filiera alimentare. Il vincitore dell’ultimo bando per la fornitura ufficiale di mele per asili, scuole, case di riposo e altre istituzioni della capitale danese ha infatti offerto ben 38 tipologie di frutto: la notizia fa ben sperare.

Un tuffo nel passato che costituisce l’occasione per una profonda riflessione sul tema della biodiversità è il Museo della frutta di Torino: più di mille «frutti artificiali plastici» realizzati nella seconda metà dell’Ottocento da Francesco Garnier Valletti si uniscono al patrimonio storico scientifico della Stazione Sperimentale Agraria, fondata nel 1871, dove si testimonia la svolta che, tra Ottocento e Novecento, ha trasformato la produzione ortofrutticola da artigianale a industriale, introducendo  nuovi metodi non solo di coltivazione, ma di conservazione, distribuzione e consumo.

Quel che colpisce di più del museo, oltre alle centinaia di varietà di pere, mele, pesche… è la cultura della perfezione con la quale questi frutti sono stati realizzati, con una tecnica brevettata.

Dopo un inizio carriera come confettiere, Garnier Valletti inizia a modellare in cera e resina fiori e frutti ornamentali, attirandosi la stima della Corte Imperiale di Vienna e poi quella della corte dello Zar Nicola I Romanov. Presentati a mostre e concorsi, i suoi frutti conquistano medaglie e premi alle esposizioni internazionali. Oltre che per adornare le tavole eleganti, sono poi acquistati da collezionisti ed amatori che ne apprezzano l’estetica, dai vivaisti alle scuole di frutticoltura.

Oggi continuano a stupire. E tornano ad essere spunti e appunti preziosi per gli studiosi del patrimonio genetico della frutticoltura.

Fonti: fao.org; ec.europa.eu; National Geographic Italia; museodellafrutta.it

L'articolo Tutti frutti<br> Le mele della concordia proviene da Paola Lenti.

Il nostro pianeta è ricoperto per più del 70% di acqua e di questa oltre il 95% è salata. 

Francesco Bosso, fotografo nato a Barletta nel 1959, si dedica da anni ai paesaggi marini, catturandone forza e pace primordiali, ma anche il fragile equilibrio. L’acqua con il suo costante fluire e la sua forza, modella, trasforma e crea, in questo continuo ed eterno divenire, dove “tutto dall’acqua nasce e nell’acqua ritorna”.

Il volume “Waterheaven”, edito da Silvana Editoriale in occasione della sua recente mostra a CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia di Torino – è un percorso attraverso l’affascinante forza creatrice dell’acqua, tra visione e realtà, un susseguirsi di evocazioni e frammenti di memorie. Bosso con le sue fotografie crea suggestioni e atmosfere particolari, con una visione di luoghi che rappresentano non solo una lode alla natura, ma un invito a riflettere sul tema della conservazione con una particolare attenzione all’elemento liquido, “l’acqua come liquido primordiale e fonte di vita”. «Attraverso il medium fotografico – commenta il direttore di CAMERA Walter Guadagnini – Bosso comunica un’etica della protezione e della salvaguardia del paesaggio naturale: con un sapiente uso delle tonalità di bianco e nero celebra i suoi soggetti e allo stesso tempo mette in guardia lo spettatore sulla fragilità e unicità di tale patrimonio». 

L’acqua è l’elemento naturale più prezioso per la vita e l’idrosfera marina, è parte integrante del complesso equilibrio che da sempre determina il clima sulla terra. Emissioni e riscaldamento globale oggi però mettono a repentaglio questo equilibrio. Gli effetti più evidenti sono l’innalzamento del livello del mare, l’intensificazione degli uragani e, causata dall’ acidificazione, la perdita di tante specie. Inoltre, il degrado degli ecosistemi marini e costali mette in serio pericolo la sopravvivenza fisica ed economica delle comunità locali. Secondo uno studio dell’Università di Melbourne, il 4% della popolazione globale sarà colpito da inondazioni costiere. 

Se l’adattamento sembra l’unica via di uscita, con fenomeni migratori e possibili conflitti all’orizzonte per l’accaparramento delle risorse, c’è chi lavora per cercare di invertire a tutti i costi il climat change. Per esempio, La International Union for Conservation of Nature, associazione che conta 1400 membri tra governi e organizzazioni civili ha deciso di voler proteggere il 30% degli oceani entro il 2030. Vietando pesca selvaggia e trivellazioni, l’obiettivo è di permettere al mare di ritrovare se stesso.

Fonti: hoepli.it, theguardian.com, rinnovabili.it, woi.economist.com, iucn.org

L'articolo Paradiso liquido proviene da Paola Lenti.